El cine puro de autor siempre se ha balanceado peligrosamente entre los calificativos de arte supremo y tomadura de pelo, sin saber si el surrealismo tiene una intencionalidad y un sentido último o el propio sinsentido es la brillante aportación del cineasta de turno. Los años 60 vivieron un auge de este tipo de cine y tuvieron en Michelangelo Antonioni a uno de sus más fieles y aplaudidos representantes. Blow-up supuso la incursión de Antonioni en un Londres que, además de adaptarse perfectamente al tono de la historia, le permite desplegar toda su imaginería de retrato mod y pop de una época en la que la música y la rebeldía juvenil llamaban a la puerta de la sociedad. Cine no para todos los gustos, Antonioni dibuja una película errática, confusa y episódica que dejará a cuadros a la mitad del público y será admirada por la otra mitad.

El argumento engaña claramente. Engaña porque se plantea una trama más o menos intrigante que termina siendo nada más que una metáfora más de las que Antonioni plaga su película para transmitir lo que quiere decir. Thomas, un acertado David Hemmings, es un fotógrafo de alto nivel, misógino, egoísta, soberbio y vacío, que se dedica a retratar a insulsas modelos con pocas luces y muchas ganas de ser famosas (hay cosas que nunca cambian). En un mundo rodeado de vacuidad, pragmatismo y materialismo, Thomas se mueve como pez en el agua como el tiburón que se come un mundo hecho a su medida. Sin embargo no es todo alegría en su vida, y a raíz de un intrigante suceso se empieza a plantear, sin darse cuenta, el verdadero sentido de su vida. Un día fotografía a una pareja en un parque y cuando éstos se dan cuenta, la mujer corre hacia él asustada con la intención de recuperar el carrete, sin éxito. Ella, una enigmática Vanessa Redgrave, acude a su casa y al final es engañada con otro carrete. Thomas comienza a revelar las fotos y tras sucesivos aumentos (blow-up) cree adivinar ver que se ha cometido un asesinato. Ahora Thomas tendrá una misión en su vida.

Todo esto le sirve a Antonioni para despistar a la audencia, porque al final el asesinato no es la clave del film. Sí lo son los juegos de aumento que dan título al film y que representan la confusión hoy en día entre realidad y percepción, alimentada además por las tecnologías. A partir de ese momento Antonioni mezcla escenas-capítulos sin demasiado sentido y movido más por motivos estéticos que nada, consiguiendo desquiciar a los espectadores ávidos de una resolución, lógica o no, del asesinato, a la par que enloquece de pasión orgásmica a los admiradores que esperan de Antonioni algo distinto. Y lo es, a pesar de que haya escenas de dudoso interés más allá de lo estético. El final sí es, sin embargo, una interesante metáfora de todo lo que nos ha querido contar Antonioni. La forma de contarlo sea probablemente lo más conflictivo: probablemente para llegar al mismo punto no haya que ser tan enrevesado, rebuscado y pretencioso. No es ni más ni menos que la sensación que le queda uno al ver una obra de arte modernista de la que te cuentan que explica el sentido de la vida. Probablemente sea así, pero que se lo cuenten a otro.

Estéticamente la película fue una revolución en su época y su verdadera razón de éxito entre las masas y la denominación de película más comercial de Antonioni. Los colores usados a conciencia, la decoración de la casa de Thomas o algunas escenas nos sumergen con facilidad y brillantez en la estética de la Londres pop de los 60. Se añade al éxito también la presencia de un desnudo frontal por primera vez en el cine inglés.

Una rareza más de Antonioni, indicada para aquéllos que se deseen iniciar en el cine de este curioso personaje, pretencioso para unos y visionario para otros, cuyo mayor mérito se puede decir que es meter en una batidora un guión y salir airoso del asunto.

6,5/10