10 animadores demasiado alternativos para Disney

Esta semana, para comenzar el año con buen pie, se estrena en nuestros cines Número 9, una película de animación independiente situada en un mundo post-apocalíptico. Y claro, le da a uno que pensar. Hace veinte años, el común del populacho identificaba “cine de animación” con “Disney” e “infantil”. Ahora la percepción va cambiando poco a poco. Y en buena parte, la culpa la tienen los protagonistas de nuestro nuevo TOP 10 DE CINEOL.

Porque hay vida más allá del cine comercial, incluso en la animación. Quizá esta lista sea demasiado específica de un subgénero impopular, y por tanto sea vista como lo más friki que hemos hecho hasta ahora en esta sección. Puede. O puede que sea una puerta abierta con invitación de lujo a que descubráis por vosotros mismos otro tipo de cine tanto o más estimulante que las películas de Pixar o de… bueno, de Pixar.

Está claro, como siempre, que no todos los autores punteros han logrado entrar entre los diez seleccionados.

Menciones especiales:
- Georges Schwizgebel: Figuras impresionistas y juegos continuos con la perspectiva y las transiciones, sin diálogo alguno, son las señas de identidad de este artista abstracto del pincel colorista.
- Los hermanos Quay: Deudores (quizá en exceso) de alguno de los miembros de esta lista, son unos maestros del stop-motion y la marioneta con una temática siempre conceptual y una ambientación tétrica, muy tétrica.
- Raoul Servais: Su estilo diverge tanto entre sus obras que igual puedes encontrar una mezcla de animación y acción real que un dibujo de estilo infantil, aunque siempre tratando temas sociopolíticos o psicológicos con complejidad y seriedad.

10. NORMAN MCLAREN

Estilo: Animación tradicional, tan simple que a veces son sólo puntos y rayas. También ha hecho incursiones en el stop-motion y en el rodaje con actores reales.
Géneros: Experimental sobre todo.
Constantes temáticas: Si hay algo que mueve la obra de McLaren es la búsqueda incesante de los límites de la animación, sobre todo en sus cuestiones más básicas. Así, tiene cortometrajes que simplemente son movimientos de un punto o de una raya a través de la pantalla siguiendo diversos patrones, o que intentan conjugar sonido e imagen a niveles elementales. También tiene otros más elaborados cuyo contenido va más allá del juego con conceptos matemáticos, como su célebre Neighbors, pero el grueso de su obra podría ejemplificarse mejor con La Merle, tan sencillo como efectivo:

9. CHRIS LANDRETH

Estilo: Animación por ordenador.
Géneros: Drama surrealista existencial con componentes kafkianos.
Constantes temáticas: Aficionado a romper, deformar o dejar incompleta la integridad física de sus protagonistas como reflejo de su psique, Landreth suele trabajar con conceptos sociológicos y existenciales en forma de pequeños cuentos surrealistas. Temas como la identidad, las presiones sociales, la cordura o la naturaleza del arte toman distintas formas, pero siempre con un componente turbador como esos payasos que atormentan a su alter ego en Bingo the Clown. Sin embargo, no ganó el Oscar por esa obra, sino por su mirada al infierno mental que vivió el otrora gran promesa de la animación Ryan Larkin:

8. SATOSHI KON

Estilo: Animación tradicional al estilo japonés. Anime, vamos.
Géneros: Thriller paranoico-simbólico con influencias de David Lynch.
Constantes temáticas: Aficionado a las historias que se mueven en múltiples niveles de realidad, ya sean sueños, alteraciones mentales, recuerdos, mundos paralelos o simplemente ficción dentro de la ficción, Satoshi Kon es un maestro en el arte de coger nuestro cerebro y ponerse a jugar con él mediante enrevesadas argucias narrativas. En Perfect Blue le dio un giro esquizofrénico a los efectos de la fama, en Millennium Actress fundió en una amalgama realidad y ficción, en Paprika abrió la puerta de la realidad al mundo onírico… Pero nada es comparable con el nivel de perturbación y complejidad estética y argumental que alcanza su serie Paranoia Agent:

7. PAUL DRIESSEN

Estilo: Animación tradicional despreocupada por el trazo, que siempre es tan indeciso que otorga a las figuras movimientos tan fluidos que parecen líquidas.
Géneros: Comedia conceptual con una buena dosis de humor absurdo.
Constantes temáticas: A Driessen le gusta jugar con las posibilidades que le ofrecen la animación y el cine para distorsionar la realidad. Así, no es extraño ver en su obra cambios bruscos de perspectiva que reformulan todo el escenario, pantallas partidas o fragmentadas en mil pedazos que ofrecen ventanas a diversos lugares o planos de la realidad (que suelen interactuar entre ellas pese a que esto desafíe las reglas narrativas y lógicas) o fusiones insólitas entre diversas líneas argumentales. Aunque su obra maestra es The End of the World in Four Seasons, lo más parecido por temática y complejidad que se encuentra en YouTube es esta ácida mirada a la realidad cotidiana de un niño, The Boy Who Saw the Iceberg:

6. ADAM ELLIOT

Estilo: Stop-motion con plastilina, aunque sus figuras suelen ser poco estilizadas.
Géneros: Drama, a veces con gotas de comedia, pero siempre con una carga de sensibilidad adulta que cae como un plomo sobre tu corazón.
Constantes temáticas: Las obras de Adam Elliot cuentan historias de gente excluida de la sociedad por diferentes motivos: deformidades físicas, enfermedades mentales, homosexualidad, etc. Suele utilizar una narración en off suave y aterciopelada como recurso para avanzar sus historias, con poco o nada de diálogo. También le da mucho protagonismo a eventos cotidianos y detalles anecdóticos que particularizan un mundo propio y nos acercan al sufrimiento, estoico e injusto, de sus personajes. Comenzó su carrera con una trilogía con fuertes influencias autobiográficas (Uncle, Cousin y Brother), y dentro de poco nos llegará su primer largo, Mary and Max. Entre medias, ganó el Oscar por Harvey Krumpet:

5. RENÉ LALOUX

Estilo: Animación tradicional con influencias de las técnicas de silueta.
Géneros: Ciencia ficción y fábulas de alto contenido sociopolítico.
Constantes temáticas: La obra de este francés siempre ha tenido fuertes lazos con el cine soviético, en tanto que su carga ideológica ha sido siempre primordial para elegir tanto el argumento como el género. Por tanto, es normal que haya escogido casi siempre la fantasciencia para narrar historias donde analizar la situación política europea o hacer un estudio de los males de la sociedad occidental contemporánea. Esto se observa principalmente en El Planeta Salvaje y Gandahar, aunque también en sus cortos, que adoptan formas más experimentales. Por otro lado, sus obras suelen contener viajes en el tiempo y mundos insólitos de diseño tan elaborado como perturbador, con fuertes influencias de Moebius y de los animadores checos. Como muestra, un botón:

4. PHIL MULLOY

Estilo: Animación tradicional en blanco y negro, con escenarios básicos y figuras simples hechas con palos y manchas.
Géneros: Crítica social con mucho humor negro, metida en un argumento de western o de ciencia ficción.
Constantes temáticas: Mulloy es uno de esos enfant terribles que siempre busca pulsar los botones más sensibles del espectador, aunque eso signifique ofenderle. Sus obras están llenas de sexo y violencia descarnadas, que serían difíciles de tragar en imagen mínimamente real, pero que siempre contienen un contenido potente que intenta que el espectador se cuestione los preceptos, prejuicios y normas establecidos en nuestra sociedad. No lo hace desde una perspectiva moralizante, sino todo lo contrario: buscando revolver las conciencias de forma visceral para dinamitar los complejos autoimpuestos. Y ninguna obra lo ejemplifica mejor que la que le dio la fama, Intolerance:

3. DON HERTZFELDT

Estilo: Animación tradicional con figuras simples y casi infantiles, que conforme ha ido progresando se han combinado más y más con componentes ajenos al boceto (luces, efectos químicos, juegos con la superficie de dibujo, etc).
Géneros: Drama existencial y comedia surrealista hasta la locura.
Constantes temáticas: Don Hertzfeldt es un ejemplo perfecto de ida de olla. Tanto su sentido del humor como sus digresiones formales y argumentales son tan caóticas, tan absurdas, que uno se cuestiona la sanidad mental de la persona detrás de esos sencillos trazos. Sin embargo, en su demencia estriba su genialidad. Su desbordante creatividad es capaz de hacer que nos planteemos cuestiones existenciales sobre la vida y la muerte, sobre la naturaleza del medio animado, sobre la barrera entre ficción y realidad, entre la percepción y el mundo físico, sobre los pequeños eventos que mueven nuestra vida sin aparente sentido. Y todo ello, con un humor obscenamente esquizofrénico, como muestra su oscarizado corto Rejected:

2. BILL PLYMPTON

Estilo: Animación tradicional con escenarios sencillos, mucho colorido y un cierto trazo grueso en los contornos de las figuras.
Géneros: Comedia burra y surrealista, normalmente con toques románticos, sexuales, violentos, fantásticos y de ciencia ficción.
Constantes temáticas: Plympton se crió viendo los salvajes dibujos de la Warner y la MGM. Y se nota, porque su obra es la evolución de las aventuras de Bugs Bunny o de Tom y Jerry, pero adaptadas al mundo adulto. Es decir, cantidades ingentes de violencia a lo bestia a las que se ha añadido mucho sexo, muchas perversiones absurdas y una cierta carga de sensibilidad. No quiere esto decir que su cine sea duro e intragable. Al contrario, un peculiar sentido del humor, a veces negro y otras flemático, pero siempre físico, impregna toda su obra. Pero su ligereza no debe ocultar su exacerbada tendencia a explorar las posibilidades que ofrece la animación para deformar el mundo, para crear su propio conjunto de reglas que traspasan la lógica y juegan con ella, y para hallar nuevos significados a los objetos y sucesos cotidianos. Como ejemplo, una selección de escenas de sus cortos 25 Ways to Quit Smoking y How to Kiss:

1. JAN SVANKMAJER

Estilo: Stop-motion con plastilina, objetos sólidos, comida, personas… cualquier cosa, básicamente. También ha probado la animación con silueta y con marionetas. Y últimamente le da mucho a la imagen real.
Géneros: Experimental, lo que puede significar fábulas kafkianas, dramas surrealistas, cuentos conceptuales con toques de humor negro…
Constantes temáticas: Decíamos que Laloux es deudor de la corriente soviética. Pues bien, Svankmajer es uno de los maestros de esta escuela. Este polifacético artista checo comenzó como escultor antes de dedicarse al cine, y eso se filtra por toda su obra, en donde la fisicidad de los objetos animados alcanza la máxima expresión y se convierte en un elemento indispensable para transmitir sus mensajes, normalmente con una fuerte carga sociopolítica y psicológica. Así, su narrativa se basa frecuentemente en conceptos representados por objetos dotados de vida, cuya interacción es tan carnal y orgánica que a veces bordea lo repulsivo, y cuyo simbolismo posee la fuerza de una carga de profundidad. Otras veces dota a sus obras de una forma más definida, con una historia concreta a modo de cuento que crea sus propias reglas y significados, paralelas pero distintas a las del mundo real. En cualquier caso, su obra siempre tiene un halo tenebroso y desasosegante pero no exento de cierto humor, como muestra una de sus obras más conocidas, Tma/Svetlo/Tma (Oscuridad Luz Oscuridad):

Ahora responded vosotros: ¿cuántos de estos animadores conocíais? ¿De cuáles nos hemos olvidado? ¿Cuáles son vuestros preferidos? ¿Estaríais interesados en una segunda parte de este artículo en donde explorásemos animadores alternativos de calidad, pero que sí podrían englobarse en la comercialidad y la facilidad de digestión que representa Disney? Ah, y… ¡FELIZ AÑO!