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20/Nov/2008 - Por Nestor F. |  Comentar (5) |
| Preview: Asfixia |
Asfixia (2008)
 Asfixia (2008)
Director: Clark Gregg
Intérpretes: Sam Rockwell (Victor Mancini) / Anjelica Huston (Ida Mancini) / Brad William Henke (Denny) / Clark Gregg (Lord High Charlie) / Gillian Jacobs (Beth / Daquiri de Cereza) / Kathryn Alexander (Agnes / Ratoncita) / Kelly MacDonald (Paige Marshall) / Paz de la Huerta (Nico) / Matt Gerald (Detective Ryan) / Joel Grey (Phil) / Viola Harris (Eva Muller) / Bijou Phillips (Ursula) / Mike S. Ryan (Lonnie) / David Wolos-Fonteno (Edwin) / Isiah Whitlock Jr. (Detective Palmer)
Duración: 89 minutos
Sinopsis: Victor Mancini, un adicto al sexo que trabaja como actor en un parque temático que recrea la guerra civil norteamericana, finge asfixiarse con la comida en los restaurantes de lujo para conseguir crear un vínculo de dependencia entre él y sus [...]
Género: Comedia/Drama
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Estreno en España: 21 de Noviembre de 2008
CRÍTICA
No choka. (2/5)
Lo primero que se nos viene a la cabeza cuando se menciona a Chuck Palahniuk suele ser “El Club de la Lucha”, ese brillante relato autodestructivo y su brillante adaptación por parte de David Fincher. Ahora nos llega Choke (Asfixia), segundo round para el cine de la obra de Palahniuk y, bueno, está bien pero podría haber sido mejor.
De ello se encarga Clark Gregg, experimentado actor secundario que, así de repente, se nos planta con esta película, adapta la obra, dirige y se reserva un pequeño papel de esos que suele hacer. Y posiblemente por ello, por ser una película hecha por un señor así que no ha demostrado anteriormente demasiadas dotes tras las cámaras, todo se queda en una pequeña anécdota entretenida para pasar el rato, pero olvidable en un bang.
(Más imágenes en su galería)
Es indudable el carácter gamberro de la cinta, que ya viene de serie por todo el imaginario de Palahniuk, pero es que la puesta en escena es tan aburrida... Muy correcta, pero aburrida. Son entretenidas todas las pequeñas aventuras que vive el bueno de Victor, a ratos incluso divertidas y demenciales, pero le falta algo, fuerza visual, un ritmo más frenético, atreverse más en muchas cosas por lo general. El retrato del personaje de Víctor, un hombre deprimente, adicto al sexo y con una infancia traumática, está conseguido y rápidamente simpatizamos con él a través de su inevitable voz en off donde escuchamos todo lo que piensa y nos cuenta cosas como si fuéramos sus íntimos amigos, pero podría haber sido mucho más en manos de alguien más atrevido y loco… ¿John Waters quizás?
Y esos flashbacks, esenciales por un lado para comprender la naturaleza del personaje, llegan a cansar por la forma en que se nos introducen.
Clark Gregg al menos controla lo que es su campo, la interpretación, y consigue una dirección de actores efectiva, que le valió un premio al mejor reparto en la pasada edición de Sundance. La película se aguanta con tres pilares sólidos: Sam Rockwell, Angelica Huston y Kelly McDonald, el primero fundamental, ya que soporta todo el peso de la cinta de manera encomiable, componiendo un personaje odioso y entrañable al mismo tiempo. También destacar el trabajo de las señoras ancianas de la residencia, un portento.
Lo que decía, la historia se deja ver y tiene momentillos delirantes, pero es una película sin alma, sin personalidad. Si no fuera porque de vez en cuando salen tetas, a veces parece que estemos ante un suave telefilm de sobremesa, cuando tendría que haber sido una eyaculación ofensiva y salvaje en todas nuestras caras.
Crítica por Néstor F. |
| Fuente: CINeol | Visitada: 1391 veces |
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20/Nov/2008 - Por Aleix Ortuño | Comentar (4) |
| Preview: 007 Quantum of solace |
007 Quantum of Solace
 007 Quantum of Solace
Director: Marc Forster
Intérpretes: Daniel Craig (James Bond) / Olga Kurylenko (Camille) / Mathieu Amalric (Dominic Greene) / Judi Dench (M) / Giancarlo Giannini (René Mathis) / Jeffrey Wright (Felix Leiter) / David Harbour (Gregg Beam) / Gemma Arterton (Strawberry Fields) / Jesper Christensen (Mr. White) / Joaquin Cosio (General Medrano) / Anatole Taubman (Elvis) / Fernando Guillén Cuervo (Coronel Carlos) / Jesús Ochoa (Teniente Orso)
Duración: 106 minutos
Sinopsis: Alimentada por la traición de Vesper, la mujer que amaba, la determinación de Bond para atrapar al cerebro de la siniestra organización de White le lleva hasta Haití, donde encuentra a una inesperada aliada en Camille, una bella y luchadora extranjera. [...]
Género: Acción/Thriller
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Estreno en España: 21 de Noviembre de 2008
CRÍTICA
Daniel Craig, en la anterior Casino Royale, dejaba claras las cosas en una frase completamente paradigmática. En una escena, en un momento de tensión, el bárman le preguntaba a Bond como quería su cóctel, si agitado o mezclado.
Y Bond replicaba: "¿Tengo cara de que me importe?"
Toda una declaración de principios de una película que, al terminarse, dejaba planteada una cuestión: una vez resuelta la precuela de cómo Bond se había vuelto agente doble cero, ¿volverían las siguientes películas a los clichés de la saga, a las viejas reglas, o iban los productores a seguir aquella línea que tan buenos resultados les había dado, la de buscar un producto que contentara a los más desapegados del personaje?
Quantum of Solace viene a resolver finalmente la cuestión.
Aunque con la recaudación de Casino Royale, no había motivo para demasiadas dudas.
Cabe decirse que no puedes valorar una película de James Bond en términos absolutos. Soy de la opinión que una película perteneciente a una saga le debe mucho a la saga en sí. Si Quantum of Solace hubiese tenido fallos, pero respetado lo que los acérrimos esperaban de ella, estaría yo en la contradictoria situación de tener que alabarla a pesar de sus defectos.
Por suerte, no me he visto envuelto en semejante compromiso.
Quantum of Solace es una película floja, sí. Y, además, lleva la pérdida de identidad del universo Bond hasta sus últimas posibilidades.
(Más imágenes en su galería)
Repasemos sus elementos. El guión, para empezar. La película es la continuación directa de Casino Royale. Se trata de la primera vez en la saga en que ocurre algo así, pero esta era una idea, si se me permite la opinión, que tenía potencial. Sin embargo, con potencial o sin él, el hecho mata la película desde el primer momento. Aunque da una cierta noción de trascendencia a todo, apoyándose en personajes conocidos y referencias cruzadas, la cuestión es que el hilo argumental es imposible de seguir, ni habiendo visto Casino Royale la semana antes. No solo es por ser una secuela directa: también es culpa de una liosa narración de la trama.
Sea como sea, uno muy pronto se ve separado del sentido y el argumento de la película. Y lo malo es que no hay demasiadas cosas en ella a las que el espectador se pueda agarrar para disfrutar el filme.
Repasemos por ejemplo la acción. Quantum of Solace es una película de acción. Cabria plantearse si una película de James Bond no debería ser más que eso, pero, por sí mismas, considero que las películas de acción son un entretenimiento legítimo. El problema con Quantum of Solace es que, como película de acción, aprueba a duras penas. Hay muchísimas escenas de acción, sí, pero también muchísimos defectos. Para empezar, la mitad de las escenas están rodadas de un modo poco claro, un poco como ocurría con las escenas de acción de Batman Begins, en las que percibes el ruido y la adrenalina pero no demasiado bien lo que ocurre. Por otro lado, no pueden obviarse algunos pocos planos en que los efectos digitales son demasiado evidentes.
Pero hay otros fallos, más graves, por lo que hace a la acción, como la sensación de deja vu que lo afecta a uno mientras ve la película, un deja vu con sabor a Jason Bourne, al que tristemente se pone a imitar Bond, y con sabor, también, a la misma Casino Royale, de la que parece copiar directamente algunas secuencias.
Unas secuencias de acción, además, que frecuentemente aparecen del todo desconectadas del argumento de la película, que tienen un origen aleatorio, por decirlo de alguna manera, y que una vez finalizadas no dejan la menor secuela en la película.
Pero, ¿son las películas de James Bond algo más que películas de acción? Dejando de lado el más que posible desvirtuamiento de la saga a manos de las últimas películas (algo que no apoyo personalmente, pero que entiendo que sea visto de este modo), no puede dudarse que las películas del personaje de Ian Fleming tienen una serie de características y rasgos que las diferencian de los demás filmes de acción. Aquellos rasgos que los seguidores de la serie buscan en la película, y que los productores han terminado por eliminar definitivamente.
No es solamente que los créditos iniciales sean, a mi entender, de los más pobres de la saga (aunque algo hemos mejorado respecto a Casino Royale: ¡aparecen siluetas femeninas!), ni cosas absurdas como el que hayan desubicado de su emplazamiento natural ese principio con James Bond siendo seguido por el ojo de la cámara, con su giro espontáneo y la pantalla cubriéndose de rojo. Son cuestiones de mayor peso, que afectan al transcurso de la película, aspectos que cualquiera sabrá (y no podrá evitar) captar, que afectan al glamour, al humor, y a todo aquello a lo que, después de veinte películas, la saga debería tener un cierto respeto.
Por lo que respecta a Daniel Craig, no me parece un mal James Bond aunque, obviamente, todo es cuestión de gustos. Lo que puede asegurarse es que Craig es perfecto para mantener la frialdad que una película de Bond necesita en ciertos momentos, pero la verdad es que esa frialdad es más bien una trampa, pues su rostro de piedra pronto resulta demasiado desapasionado.
En cualquier caso, dicha frialdad, que empapa toda la película, deshumanizando (o humanizándolo en su lucha por no tener sentimientos) a Bond, es lo mejor del filme, o lo que, en cualquier caso, más recuerda al espíritu del rey de los agentes secretos.
Hasta que la frialdad misma se vuelve excesiva, y uno se da cuenta otra vez de que ni director ni guionistas ni productores tienen ni idea de los elementos que constituyen una película de James Bond.
En resumidas cuentas: por proponer una visión simple del mundo, podemos decir que éste se divide en los seguidores de la saga de Ian Fleming, y en los que no la siguen. Pues bien, esta película irritará a los primeros bastante probablemente. Y, respecto a los segundos, solo satisfacerá a los amantes del cine de acción sin más complementos. Lo que nos lleva al excesivo colmo de males: quizás ni estos se encandilen con la película, y encuentren pronto otra con la que divertirse más.
Por supuesto, hay buenas noticias: en Quantum of Solace, el espíritu Bond no podría quedar más marginado. Por fuerza, en la próxima película, las cosas irán mejor. |
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20/Nov/2008 - Por Sergio Roma | Comentar (2) |
| Preview: El Greco |
El Greco
 El Greco
Director: Yannis Smaragdis
Intérpretes: Nick Ashdon (El Greco) / Juan Diego Botto (Niño de Guevara) / Laia Marull (Jerónima de las Cuevas) / Dimitra Matsouka (Francesca) / Roger Coma (Paravicino) / Sotiris Moustakas (Titiano) / Fermí Reixach (Don Miguel de las Cuevas)
Duración: 119 minutos
Sinopsis: Domenico Theotokopulos, más conocido como El Greco, llega a Toledo en 1577. Cuando el rey de España visite Toledo, el pintor intentará ganarse su favor para tener el beneplácito con el que poder esposarse con Jerónima de las Cuevas, que pertenece [...]
Género: Drama
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Estreno en España: 21 de Noviembre de 2008
CRÍTICA
La batalla entre la luz y la oscuridad a través de la razón (3/5)
Hay ciertas películas que nos acercan a la vida de un artista de manera entretenida y sobre todo interesante, y sin duda alguna “El Greco” es una de ellas.
Teniendo en cuenta que la figura de Domenikos Theotokopoulos no destaca de manera especial por tener una vida estrictamente inquietante, ni encierra enigmas de excesiva trascendencia (quizás saber quién se esconde tras “El caballero con la mano en el pecho”), y sí por sus magníficas obras, es innegable que se creado un guión pretendidamente cinematográfico en base a la novela del griego Dimitris Siatopoulos, “El pintor de Dios”, donde se permiten ciertas licencias, de dudosa credibilidad histórica, pero que realmente funcionan en pantalla.
(Más imágenes en su galería)
La película narra desde una perspectiva muy personal pasajes de la historia del pintor cretense desde sus inicios en la isla de nacimiento, pasando por su etapa italiana hasta su llegada a Toledo. Todo ello con pequeños retazos de sus (escasas) aventuras amorosas más o menos desdibujadas, y su particular relación con el Inquisidor Niño de Guevara.
Será precisamente un retrato de éste, (uno de los retratos más bellos de toda la pintura española tanto por la calidad del tratamiento del atavío como por el profundo perfil psicológico del personaje que esconde) el punto de partida de su particular “via crucis” en una batalla a priori perdida frente a una intolerante Inquisición. La razón, como apoyo supremo de la luz en una lucha sin cuartel contra la oscuridad.
Para trasladarnos a la época renacentista, el poco conocido director griego Yannis Smaragdis (nacido en Heraklion, la misma isla griega de Creta donde nació el pintor) ha contado con diversos escenarios que aportan suntuosidad y crédito histórico, y con el joven inglés Nick Ashdon, como una importante apuesta que cumple perfectamente con la confusa personalidad de un pintor a caballo entre dos estilos de vida y arte diferentes. A su lado, el siempre efectivo Juan Diego Botto, en un papel no exactamente hecho a su medida y la también española Laia Marrull que tanto nos hiciera sufrir en “Te doy mis ojos”. Un discreto reparto, que junto con la griega Dimitra Matsouka cumplen con ligero acierto un cometido al alcance de pocos.
Ni códigos davincianos, ni enigmas de ultratumba. Dos historias de amor y una lucha de la luz frente a la oscuridad son los mimbres en los que se apoya este importante acercamiento a la figura de uno de los pintores más importantes de la historia del arte. Un relato que pese a tener bastantes pasajes históricos de dudosa veracidad, y un inicial nacionalismo griego de importancia relativa para el artista, mantiene en cambio un coherente discurso narrativo y una interesante aventura histórica que sin tener componentes clásicos de thriller del género, sí contiene los elementos necesarios para mantener el interés a través de componentes filosóficos como por ejemplo la exploración del alma humana, tal y como hiciera El Greco en numerosas obras suyas, como en "El entierro del conde Orgaz". Si acaso destacar de manera negativa, la escueta y torpe referencia hacia la figura de Cervantes, que bien se hubiera podido haber evitado, o en su caso tratarla con mayor acierto.
En cualquier caso, una atractiva propuesta que puede dejar indiferente, o resultar enriquecedora para quién se adentre en la figura del artista, pero que en cualquier caso supone un refrescante bálsamo sobre una marea cinematográfica donde últimamente naufraga alguna que otra aventura histórica.
sergio_roma00@yahoo.es |
| Fuente: CINeol | Visitada: 735 veces |
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20/Nov/2008 - Por Sergio Roma | Comentar (7) |
| Preview: Appaloosa |
Appaloosa
 Appaloosa
Director: Ed Harris
Intérpretes: Viggo Mortensen (Everett Hitch) / Ed Harris (Virgil Cole) / Renée Zellweger (Allison French) / Jeremy Irons (Randall Bragg) / Lance Henriksen (Ring Shelton) / Rex Linn (Sheriff Stringer) / Tom Bower (Abner Raines) / Ariadna Gil (Katie) / Boyd Kestner (Bronc) / Robert Jauregui (Marshall Jack Bell) / Timothy V. Murphy (Vince) / Luce Rains (Dean) / James Tarwater (Chalk) / James Gammon (Earl May)
Duración: 114 minutos
Sinopsis: Dos amigos son contratados para hacer de policías en una pequeña ciudad que está siendo gobernada por un despótico y poderoso ranchero de la región. El trabajo se verá complicado cuando una joven viuda llegue a la ciudad. [...]
Género: Western
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Estreno en España: 21 de Noviembre de 2008
CRÍTICA
Imponer la justicia es asunto de Virgil Cole (3/5)
Como todas las cosas o personas que disfrutan de una segunda juventud, el western renace de sus cenizas con improvisado impulso, y en este caso un discreto sabor a tierra mojada y pólvora caliente, que sin llegar a niveles de maestría como “La diligencia”, “Río Rojo” o “Centauros del desierto”, sí nos proporciona elementos de diversión, elegancia narrativa y un aroma nostálgico de aquellos duelos donde la mirada cobraba el mismo valor que la velocidad de una bala.
(Más imágenes en su galería)
Si Clint Eatswood nos devolvía la esperanza en aquella magnífica “Sin perdón”, las dos últimas que han llegado a nuestra cartelera “El tren de las tres y diez” y la reciente “Appaloosa” nos vuelven a enamorar con un género típicamente americano, pero universalmente reconocible. Hay clásicos en los que la etiqueta “western” les impide apreciar numerosas virtudes que esconde la película y que la convierten en obra maestra. En el film que nos ocupa, “western” define perfectamente la entretenida historia que nos propone Ed Harris nuevamente tras la cámara después de su exitosa “Pollock” y como protagonista junto a un Vigo Mortensen -varios años- en estado de gracia.
Al igual que en “El tren de las tres y diez”, nuevamente es la pareja de protagonistas la que llevan todo el peso de la película, con su buen hacer, con escuetos pero eficaces diálogos y con una presencia en pantalla que invita a una relajada y reflexiva observación intencionada con el lejano oeste como telón de fondo inconfundible.
La siempre “bridget jonsniana” (que difícil es a veces separarla de aquel papel) Renee Zellweger aporta un gramo justo refrescante a la vez que algún que otro toque cómico, al igual que nuestra siempre guapísima Ariadna Gil seducida por el bueno de la película en un discreto pero aceptable papel de Katie. Como no podía ser de otra forma, el papel de villano sobrevuela al raso en una narración lenta pero eficaz, y de la mano de un experimentado Jeremy Irons como colofón a un reparto de peso y con la categoría suficiente para equilibrar el poco argumento que subyace sobre toda la historia.
Pese a que todo encierra elementos ampliamente conocidos y situaciones mil veces vistas, la manera de narrarlas, las interpretaciones y los diálogos permiten que la película mantenga un vigoroso ritmo y una cierta originalidad que nos impide acudir -al menos inmediatamente- a referencias cercanas (en el género, no en el tiempo) y centrarnos en el pueblo Appaloosa y su destino final en un duelo entre el bien y el mal, la justicia y la ilegalidad, y sobre todo el mantenimiento –a velocidad de bala- del honor.
No es probablemente el western de la década, pero sí nos encontramos ante una interesante y valiente propuesta de un director que pese a la poca experiencia tras las cámaras, sabe perfectamente lo que quiere, y está llamado a ser uno de los cineastas que transformen el lenguaje vulgar en un ejercicio de estilo y elegancia a la altura de pocos e intrépidos vaqueros.
Para ser el más rápido, e imponerse en un mundo de villanos, hay que poseer el mejor arma, y aliarse con los mejores escuderos.
sergio_roma00@yahoo.es |
| Fuente: CINeol | Visitada: 573 veces |
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13/Nov/2008 - Por Aleix Ortuño | Comentar (6) |
| Preview: The Fall. El Sueño de Alexandria |
The Fall. El Sueño de Alexandria
 The Fall. El Sueño de Alexandria
Director: Tarsem Singh
Intérpretes: Lee Pace (Roy Walker/El Bandido Azul) / Catinca Untaru (Alexandria) / Justine Waddell (Enfermera Evelyn/Princesa Evelyn) / Robin Smith (Luigi/Actor cojo) / Leo Bill (Charles Darwin/Conserje) / Marcus Wesley (Otta Benga/Repartidor de hielo) / Jeetu Verma (El Indio/Recolector) / Julian Bleach (El Místico/Recolector) / Daniel Caltagirone (Sinclair/Gobernador Odious) / Sean Gilder (Walt Purdy)
Duración: 117 minutos
Sinopsis: Alexandria es una niña rumana que se encuentra ingresada en un hospital de Los Angeles, recuperándose de una lesión en el brazo producida por una caída mientras ayudaba a su madre a recoger naranjas en una plantación. Dando vueltas por el [...]
Género: Drama/Fantasía
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Estreno en España: 14 de Noviembre de 2008
CRÍTICA
The Fall es una película excepcional. Eso es algo que puede afirmarse rotundamente, porque, sin ningún lugar a dudas, la manera cómo ha sido creada es única. Tarsem Singh, el director, pagó prácticamente de su propio bolsillo un filme rodado por todos los rincones de la Tierra a la búsqueda de las más auténticas (y desconocidas) maravillas del mundo. Sobre este lienzo insólito, Tarsem (nombre único con que él mismo firma la película) pinta el cuento imaginario que se narra en The Fall.
No es nuestro mundo, pero está hecho de él.
El mundo más humano de todos los surgidos de la imaginación de un escritor, director o fabulador de cualquier arte. Y, quizás para mantener esta aura de proximidad, el director decide no recurrir casi a efectos especiales, incluso cuando lo lógico seria recurrir a ellos, incluso cuando nuestro cerebro de espectadores habituados al cine actual los encuentra allí donde no están. Y así, mediante esa suma casi paradójica de alma artesanal y medios de superproducción, se construye un relato de un color y unas formas absolutamente personales.
Así, se elabora una película excepcional.
(Más imágenes en su galería)
Esto es lo primero que uno ve. Todas esas imágenes caen sobre el espectador y hacen que tenga que frotarse los ojos, e incluso la nariz y las orejas, ante el sobrecogedor espectáculo. Pero The Fall es mucho más que fuerza visual y cuentos delirantes. Es tanto más que, para algunos de sus espectadores (para aquellos a los que les emocione de verdad), las imágenes serán el menor de los placeres que les brinde The Fall.
La película se divide en dos partes que se mezclan continuamente: la real, en que se narra la "amistad" (por llamarlo de algún modo) entre un especialista y una niña de cinco años que coinciden en un hospital, y la imaginaria, que no es sino el relato que el hombre le cuenta a la pequeña. Pues bien, mientras que la mayoría (aunque no todas) de las imágenes espectaculares se encuentran en la parte fantástica del filme, la mayor parte de la carga dramática va a parar a la parte real, a la descripción de ambos personajes y lo insólito de su relación. Así, aunque el cuento fantástico puede resultar algo lineal y poco interesante, la relación entre el hombre y la niña es absolutamente compleja, y se mueve magistralmente entre lo amargo y lo dulce, lo tierno y lo dolorosamente cruel.
Hay un buen número de milagros que hacen que este encuentro entre el hombre y la niña funcione tan bien. Para empezar, las interpretaciones. Que los actores de una película sean buenos, es algo que se agradece, pero que tampoco resulta excepcional. Que una niña tan pequeña actúe como lo hace Catinca Untaru en The Fall... bueno, eso sí resulta extraordinario. La jovencísima actriz interpreta a una niña de cinco con una naturalidad difícil de creer. ¿El truco? Que no interpreta en absoluto. Tarsem Singh cuenta cómo se esforzó a lo largo de todo el rodaje para manipular, más que dirigir, a la niña y conseguir de ella el resultado que muestra en pantalla. Artimañas más o menos astutas y más o menos éticas, pero que a nosotros, espectadores que creemos en la magia del cine, poco nos importan. El resultado, que es lo que cuenta, no podría ser mejor.
Lo mismo puede decirse de la complicidad que se establece entre Untaru y Lee Pace, el actor que interpreta al especialista de cine al que una caída lleva al hospital. La intensa conexión entre ambos es lo que, en última instancia, permite que The Fall nos muestre una de las amistades niño-adulto más complejas y memorables que ha dado el cine.
Así, The Fall es, entonces, una película absolutamente sobresaliente en los dos aspectos en qué profundiza: el artístico y el dramático. Por lo que hace al primero, poco queda por decir: escenarios únicos y tremendamente bellos, vestuario de una imaginación desbordante, banda sonora épica, planos imposibles, transiciones más imposibles aún... Y por lo que respecta a su vertiente dramática, todo lo que aún no he dicho: diálogos brillantes, momentos realmente emocionantes y un perfecto uso de la ternura, la crudeza, el humor (absolutamente propio) y la sutilez (fijaos, si no, en cómo el protagonista va cambiando el transcurso del cuento que relata según su estado de ánimo).
Una película echa con amor al cine, y en la que el amor al cine tiene mucho que decir.
Eso sí, se trata de una película que tiene su propio ritmo. Una película que, al estar repleta de detalles, no parece tener ninguna prisa en soltar lo que quiere transmitir. Así, puede que a algunos se les haga algo lenta y que, finalmente, tanta autocomplacencia del director les llegue a aburrir.
Pero démonos cuenta de lo que estamos hablando: The Fall es una película susceptible de ser considerada una obra maestra por cualquiera que vaya a verla. Así se lo pareció al jurado del Festival de Cinema de Sitges 2007, que la premió como Mejor Película. Así me lo parece a mí. Y si os lo parece a vosotros, cuando vayáis a verla, imaginaos qué regalo.
¿Cuándo fue la última vez que visteis una obra maestra en una sala de cine? |
| Fuente: CINeol | Visitada: 2900 veces |
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