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ESPECIAL ARTE. FESTIVAL DART

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El Día Mundial del Arte que se celebra cada año el 15 de Abril, nos ofrece una ocasión excelente para disfrutar de la estupenda combinación entre Arte y Cine, más en concreto entre Arte y Cine Documental, de la mano del Festival Dart, que se celebró hace unos meses a través de la plataforma Filmin y que ahora nos ofrece una estupenda ocasión, para reservar un espacio y comentar cada una de las 13 películas que se exhibieron.

Cuando el arte y el cine se fusionan surgen iniciativas tan interesantes y sugerentes como Dart. Un Festival que cumplió su cuarta edición y que nos permitió disfrutar de documentales en torno al arte y desde una perspectiva muy cinéfila y sugerente.
Se trata de un punto de encuentro entre el cine y el arte en España y América Latina y sirve como una ventana de conocimiento al arte contemporáneo en todas sus modalidades: pintura, fotografía, escultura, arquitectura…
Los enfoques son muy diversos, y nos hemos podido encontrar tanto con biopics, como exposiciones, y también como no, muestras de arte como compromiso social y político.



Algunos artistas son más conocidos, pero evidentemente otros no lo son tanto, por lo que este Festival nos ha invitado no sólo a disfrutar con muestras de arte desde un punto de vista cinéfilo, sino también a conocer a nuevos artistas, o nuevas formar de arte con las que completar conocimientos y con las que poder disfrutar de arte alternativo y no excesivamente popular.

En esta Edición, nos hemos adentrado en la valiente figura del artista chino Ai Weiwei, o en el artista callejero JR, además de artistas femeninas que exploran el arte a través del cuerpo, o temas tan interesantes como la fotografía en el interior de la mafia.
Una estupenda variedad de películas documentales sobre una también estupenda variedad de temas, formatos y sugerencias. Toda una ocasión para disfrutar del arte a través de valiosos documentales.

PELICULAS










Body of truth



El primer trabajo de la alemana Evelyn Schels nos muestra una cara del mundo artístico femenino, de la mano de cuatro artistas (Marina Abramovic, Sigalit Landau, Katharina Sieverding y Shirin Neshat), que utilizan sus cuerpos en torno al arte. Aunque les dividen multitud de diferencias, el documental se centra especialmente en los nexos en común, y se hace con verdadera habilidad en el desarrollo del mismo, mostrando las diferentes maneras de exponer el cuerpo (dolor, fragilidad, provocación…) y el conjunto que subyace de todo ello.

Tras una excelente presentación de las cuatro, se va exponiendo la obra y la personalidad de cada una de ellas, enfocándose en aquello que destaca especialmente y la capacidad de provocar en algunos momentos, como el uso del cuerpo desnudo, fotografías de guerra y montajes de las mismas, la naturaleza…

Por otro lado, el documental se detiene también en los problemas que supone ser artista en según qué países (Israel, Palestina, Irán) y el apoyo mutuo y amistad que tienen algunas de las protagonistas.

En la parte final, el documental mezcla a las cuatro artistas para poner el foco en la unión, en el conjunto más allá de las individualidades, y en la capacidad de lograr cierto poder desde una perspectiva un tanto singular.

La historia va a estar siempre presente en toda su crudeza, ya sea en torno a las guerras o a las dictaduras, y en ese sentido es imposible obviar el papel de la mujer en esos conflictos.
El arte femenino en un póker de mujeres sin las cartas marcadas.


JR, el arte sin fronteras



Sin ser excesivamente popular (según en qué círculos) el artista JR es un personaje realmente interesante, y si no se sabía nada de él con anterioridad, este documental nos ofrece una estupenda oportunidad de conocerle. Un artista enigmático, original, fascinante y fundamentalmente muy expresivo. Su arte es callejero y desde sus inicios tiene un firme compromiso con lo urbano. El concepto de arte callejero como forma de humanizar una ciudad deshumanizada. Y ese concepto ha conseguido cuajar en la sociedad y conseguir un arte internacional.

Los directores Daniel Ablin y Serge July (el primero previamente ya había realizado "El tren de Hitler") nos presentan un relato muy certero, que pese a no llegar a una hora de duración es bastante completo y bien desarrollado. Conoceremos su inicio fotográfico con el director Ladj Ly (Los Miserables (2019)) y sus impactantes retratos, entendiendo en ocasiones el arte como el poder para cambiar las cosas o al menos para obligar a la reflexión.

Retratos tras unos disturbios, en torno al conflicto entre Israel y Palestina, en Cuba, en las favelas brasileñas reflejando a la población invisible, y muy en particular el tema de la inmigración y el cierre de fronteras, nos muestran la importancia del individuo en un mundo de millones de personas.

Sus trabajos posteriores de enormes colages nos terminan de reubicar a un artista de talento, de grandes proyectos, y de un arte onmipresente.

El documental también nos muestra la relación con Agnès Varda y el documental conjunto Caras y Lugares. Una relación de auténticos artistas. Así mismo también se da a conocer el cortometraje con Robert De Niro, dando muestra de la relevancia que tiene actualmente en el mundo del cine.

Todo un artista a seguir.


La fotógrafa de la mafia



Dos mundos muy complementarios y a la vez inquietantes, la fotografía y la mafia. Y una absoluta protagonista: Letizia Battaglia. A través de recuerdos, experiencias y sensaciones personales, el documental dirigido por Kim Longinotto que ya tiene una larga trayectoria en estos lares, nos ofrece un retrato muy sincero e intrigante.

A través de recuerdos, y de testimonios de amigos o amantes de la fotógrafa, iremos conociendo poco a poco capítulos controvertidos de su vida, que al viajar en paralelo con el mundo de la mafia de Sicilia, nos permitirá también descubrir nuevos rincones de la historia de la Cosa Nostra.

Retratos de mujeres y niños, casi siempre dramáticos, y fotografías de personas asesinadas por la mafia componen el trabajo principal de Letizia. El hecho de que el documental sea casi siempre narrado por ella misma le añade un plus de autenticidad y nos permite conocer más de cerca lo que estamos viendo o imaginando.

Las imágenes de archivo se mezclan con imágenes actuales y algo muy original como la introducción de escenas de películas para contar la propia historia de la fotógrafa.
Una exposición, la de Corleone y una muerte, la del juez Falcone, marcarán su trayectoria y así nos lo contará con esa sabiduría que da la experiencia y con esa visión que sólo una fotógrafa de talento tiene.

Una mirada distinta al mundo de la mafia.


The Proporsal



Es el turno de la arquitectura, de la mano del arquitecto más famoso de México: Luis Barragán.

La directora Jill Magid es una artista conceptual y eso se aprecia claramente en la estética del documental.

El documental es muy provocativo, no tanto con la figura del arquitecto, sino con los derechos de su obra, que controla la empresa de diseño suiza Vitra. En este sentido todo se desarrolla en un entorno de mucho interés, narrado en voz en off por la propia artista directora y siempre buscando los entresijos de un sistema muy complicado, apareciendo incluso en ocasiones en un segundo plano.

“Censura activa perpetuada por el capitalismo”. Y con esa premisa se adentra en temas políticos, sociales y por supuesto culturales en torno a Luis Barragán y su obra.
Se cuestiona la propiedad de un artista amado en su país, y por la propia Jill Magid y se reflexiona sobre el arte y su función o el arte y su poder de conmover siempre con un tono reivindicativo.

Importante también será la presencia de Federica Zanco, una historiadora que tendrá mucho que decir en torno al legado de Barragán, a modo de correspondencia.

Un documental potente, excelentemente narrado y muy provocativo.


Beauty and Decay



La fotografía de Sven Marquardt en torno al pasado punk protagoniza este interesante documental alemán dirigido por Annekatrin Hendel, que que rastrea las huellas de la RDA y todo el coponente político que eso conlleva.

El artista Dominique Hollenstein y el fotógrafo Robert Paris también serán protagonistas de este documental además del citado Sven Marquardt, de manera que la fotografía será observada desde diversos puntos de vista.

Aunque el verdadero protagonista lo tendremos en el pasado. A través de estos artistas, con el análisis de la escena del momento y buscando el lado más oscuro. Un pasado, bañado de belleza y fugacidad, enlazado con el presente y las cámaras de los artistas, pero siempre anclado a un modo de vida y a una manera de ver el mundo.

A pesar de que la historia parece ser demasiado intimista o incluso complicada de seguir en algunos tramos, el resultado final es bastante interesante y nos permite descubrir un rincón más de la fotografía a través de tres artistas singulares.



The New Bauhaus



La Bauhaus fue la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania). Después de 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. László Moholy-Nagy fundó en Chicago en 1937 la New Bauhausun, y este documental se centra en la figura de este artista y en su importancia en el arte moderno y su capacidad de sobrevivir: “Se reinventó constantemente por pura necesidad”.

Los esfuerzos por mantener la identidad del arte y las nuevas visiones ocupan el eje central de este trabajo de Alysa Nahmias, el segundo en su trayectoria, marcado por un profundo amor hacia el arte vanguardista.

Chicago se convertirá en una protagonista más, siempre viva y atenta, y junto al desarrollo artístico en general y la vida de Moholy-Nagy compondrán un espacio interesante para la admiración y el entretenimiento.


Ai Weiwei: Yours Truly



El artista chino Ai Weiwei necesita ya poca presentación, pero aún así el primer trabajo conjunto de Cheryl Haines y Gina Leibrecht nos ofrece un retrato bastante particular. Sin abandonar los derechos humanos, auténtica bandera de su arte, en esta ocasión el documental se centra en una exposición en Alcatraz, con la mirada puesta en los presos políticos y la intención de conseguir una necesaria empatía y una capacidad de reacción de la gente en torno a personas encerradas por opinar.

Con la premisa: “cuando limitáis la libertad, ella tomará vuelo y aterrizará en el alfeizer de una ventana” al inicio del documental y como auténtica declaración de intenciones, se nos muestra al artista político y activista.

La exposición en Alcatraz se nos presenta realmente espectacular, con un enorme pájaro de metal, retratos de personajes con piezas, de lego, etc. Obras impactante con una postadata final: la posibilidad del visitante de escribirle una carta al preso político que desee.

Es un documental entretenido, dinámico y uno se queda con ganas de saber más del artista chino, y por supuesto de conocer más su obra.


El último Arquero



Cuando un documental se hace con amor, cariño y sincero homenaje familiar, el resultado suele ser muy parecido al trabajo que nos ocupa, El último Arquero, la ópera prima de la canaria Dacil Manrique de Lara que rinde honor a su abuelo, el pintor también canario Alberto Manrique, el cual, caprichos del destino, falleció durante su realización y no pudo disfrutar del regalo que le ha hecho su nieta. Porque este documental es un auténtico regalo.
Un regalo a su abuelo, pero también un regalo a los amantes del arte. El último Arquero tiene la habilidad y el acierto de rendir un sincero homenaje humano y también artístico, de manera que abuelo y pintor van unidos, y fruto de esa unión encontraremos pinceladas históricas sumamente interesantes y pinceladas artísiticas siempre sugerentes.

“Sin el arte, la crudeza de la realidad haría que el mundo fuese insoportable”. Esta frase inicial de George Bernard Shaw, además de ser interesante, supone toda una declaración de intenciones sobre lo que Dacil Manrique de Lara va a intentar con este trabajo. Y supone también lo que posteriormente sabremos más adelante: que el arte cura. O al menos a ella la curó. Porque aparte de las dos vertientes (humana y artística) que el documental afronta, tenemos una tercera, más discreta, más minúscula, pero no menos importante acerca de un oscuro asunto personal que experimentó la propia directora y que la obligó a marchar a Madrid abandonando a su familia.
Un rincón que el propio pintor, aunque con problemas de memoria, lo guarda en sus lienzos o acuarelas como “recuerdos oscuros, metidos en un cuarto aparte”…
En su propio estudio aquella niña de trece años que sufría, se refugiaba a contemplar el trabajo del artista, a disfrutar de la calma, y “en ese silencio, su arte me curó”.

A través de varias escenas del pintor en el estudio, trabajando y a través de cintas en super 8 o fotografías antiguas iremos conociendo un poco la vida del pintor Alberto Manrique, y de su familia.

Recordándonos un poco a la obra maestra documental de Jaime Chávarri, El Desencanto, también tendremos la importante figura femenina que ha acompañado siempre al artista, Yeya Millares Sall y al igual que en aquel documental, con la madre de los Panero, Felicidad Blanc, en este caso sus aportaciones son muy valiosas y siempre entretenidas desde la sabiduría, la coherencia y la lucidez que otorgan la edad y por tanto la experiencia.

El documental está narrado en voz en off por la propia directora, aportando algunas frases y conclusiones bellas (“el papel del artista es ayudarnos a encontrar nuestras alas para volar”), y su rostro se esconde, apenas aparece en un plano final, pero siempre se muestra en un segundo plano en cuanto a la importancia de la imagen. Pero su figura, su historia, y sobre todo sus sensaciones o sentimientos siempre van a estar presentes en todo momento, junto a una significativa mariposa.
Alberto Manrique fue un arquero, un arquero del arte, el último arquero de un grupo que sin querer cambiar el mundo quiso cambiar la manera de verlo o de sentirlo. Un grupo de pintores, poetas y escritores que tenían en común el amor al arte, algo que han ido transmitiendo a sus descendientes, como se demuestra en este documental y en la persona de Dacil.

El último arquero es también una historia de renuncias. La renuncia del padre de Dacil para aceptar a su propia hija, y la renuncia de sus abuelos a sus sueños artísticos por amor a sus hijos.

La pintura, el ajedrez, la poesía, caminan de la mano de la historia, del drama, de la memoria y forman un conjunto muy compacto, que va creciendo con el paso de los minutos hasta dejarnos en el tramo final una agrdable sensación de haber conocido una pequeña gran historia, humana y artística, y tener la certeza de haber elegido bien, como la propia Dacil ha hecho: “he elegido a un padre, mi abuelo, y he elegido un legado, el de su mundo mágico, el que tiene el poder de cambiar la realidad”.


Martha: A Picture Story



La fotografía toma nuevamente la palabra de la mano de la querida y respetada fotógrafa Martha Cooper, muy asociada al mundo del grafiti, convertida en cierto modo en una especie de madrina espiritual del movimiento internacional de artistas callejeros que en un momento puntual adquirió mucha importancia.

El documental no sólo refleja sus trabajos, sino que nos presenta la relación con los propios grafiteros y el profundo respeto y admiración que sienten hacia ella, considerándola todo un mito urbano de la fotografía.

Los planos rápidos añaden tensión a la escena de los grafiteros trabajando a presión en muestras en directo de sus trabajos y de sus riesgos.

También tenemos planos que reflejan perfectamente la urbe, entrevistas con diversos jóvenes y todo ello en un ambiente de intimiedad y de exlusividad.



Burning Man: Art on Fire



Todo se desarrolla en el desierto de Nevada. Una serie de artistas exponen su inmensa obra y sobre todo disfrutan del acontencimiento.
En esta ocasión es la arquitectura la protagonista. Construcciones desde la nada que formar estructuras realmente impresionantes, en un entorno tan propicio para la magnificencia como el desierto.

El documental no sólo se centra en la faceta artística, sino también en las relaciones que se crear entre los artistas, la convivencia, las cosas en común, las admiraciones, etc.

Es un trabajo sencillo de Gerald Fox, que viene trabajando el género documental desde 1999. Su mirada busca la complicidad de los artistas y el enfoque que cada uno de ellos le da a su trabajo. Un trabajo que les lleva alrededor de seis meses en la continua búsqueda de sorprender y maravillar: “el modus operandi es, cómo puedo impresionar a la gente” confiesa uno de los artistas.

La noche del estreno y la espectacularidad que ello supone en torno a la luminosidad, nos dejará el broche final a este espectáculo.


Tierras construidas



Este documental español dirigido por Arturo Dueñas tiene la particularidad de desarrollarse a lo largo de las cuatro estaciones del año, acompañando al pintor Félix Cuadrado Lomas durante un año, explorando sus procesos creativos y su memoria, que es parte de la memoria también de España.

El paisaje castellano como herencia y memoria particular serán todo un deleite en el viaje que Dueñas nos propone y que nos permitirá no solo conocer un poco más la vida del pintor sino sobre todo su proceso creativo y cómo han influido los acontecimientos de la historia en ello.

Una pequeña venta a la pintura más castellana, a los paisajes más reflexivos y en definitiva un trabajo para admirar con trazo fino.






Tras la sombra de Natacha Rambova



En estos últimos tiempos está en auge la recuperación de la memoria, de personajes (especialmente mujeres) que han aportado algo interesante y su recuerdo, por diversas razones se ha perdido en el olvido.

El documental español de Georgina Sas y Cesc Mulet pretende rescatar del olvido a uno de esos personajes, Natacha Rambova. Conocida como la mujer que creó el mito de Rodolfo Valentino fue una brillante bailarina de los ballets rusos, y posteriormente diseñadora de talento.

Nos hallamos ante una vida realmente interesante, relatada a través de numerosas imágenes y fotografías de archivo y también con declaraciones muy personales de gente que llegó a conocerla y a tratarla.

El documental también se elabora con recreaciones ficticias del personaje bastante artísticas que le añaden un toque de color bastante agradable.

La figura de Rodolfo Valentino sobrevuela el inicio del documental y de su vida, pero inmediatamente ella vuela sola, y con ella un relato realmente interesante, en un trabajo bien elaborado y completo.


Barbara Rubin and the Exploding NY Underground



La escena underground del Nueva York de los años 60 tuvo muchos protagonistas y muchas historias, pero el nombre de Barbara Rubin aparece en pocos sitios. Chuck Smith la rescata de la memoria y nos la presenta con todo su esplendor.

Una cineasta injustamente olvidada, que a través de varias entrevistas nos permite reconstruir su personalidad y sus obras intrigantes.

Una labor complicada, dado lo poco que se sabe de ella, pero muy interesante conforme los datos van configurando una figura muy especial. Aunque poco conocida, fue clave en la escena del cine y el arte de vanguardia del Manhattan de los sesenta y el documental se centra en presentar los argumentos necesarios para situar su figura donde su talento lo merecía.

Como cualquier biografía de personajes no tan populares, el trabajo de Chuck Smith contiene cierto interés a la vez que en ocasiones nos va sorprendiendo, logrando crear un personaje bien estructurado como broche final y como reconstrucción materializada en base a imágenes y testimonios de familiares, amigos, artistas y críticos.
Descubrir el arte, descubrir a Bárbara.



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El Día Mundial del Arte lo celebramos con un repaso a cine sobre arte, a documentales que nos permiten conocer otras vertientes y que en definitiva nos permiten confirmar la excelente relación que mantiene al arte con todas las disciplinas, incluida por supuesto el cine, en su género documental.



@sergio_roma

 

Fuente: CINeol | Visitada: 1935 veces