Sección de críticas en CINeol

[Sycamore]

Estupendo morfet, me ha gustado mucho. No he visto la película pero leyendo tu crítica ya sé lo que puedo esperarme de ella y me ha animado a echarle un vistazo, muchas gracias.

[morneo]

Bueno, la primera que hago, haber que os parece

STALINGRADO

8,5/10

Morfet malo, te me has adelantado

Bromas aparte, me parece estupenda, ya creía que yo era el único del foro al que le gustaba el cine bélico, haz más críticas Morfet, si es cine bélico mejor

[juanan_gollum]

Critica

¿Como hacer una critica negativa de esta gran película? Eso es lo que muchos críticos del mundo afamados que buscan ser admirados por ser diferentes en su estilo quieren… pero que pocos lo consiguen, ya que esta película merece el llamado nombramiento de la nueva era moderna de cine a gran escala. Tras los 17 oscar de toda la saga, esta; La comunidad del anillo, es el comienzo y punto de partida de una de las sagas mas prestigiosas y mejor valoradas entre otras cosas de la historia del cine. Creo que a nadie le cabe la menor duda de que será en un futuro y de hecho ya empieza a serlo, algo de lo que descendientes cineastas rememoren el film para encontrar en él su talento o mejor dicho su dedicación a este mundo del cine.

Para muchos el director Peter Jackson es un autentico desconocido en el campo del cine, pero los que conocen mejor su filmografía sabemos que empezó como director aya por el 1987 con mal gusto, y que rápidamente se dio a conocer mejor con la ahora película de culto Gore; Braindead, tu madre se ha comido a mi perro este joven director siguió su carrera haciendo películas buenas y no tan buenas, por lo que a muchos seguidores de la obra de Tolkien les costo mucho esfuerzo reflexionar sobre quien se encargaría de recopilar la obra de este gran escritor y llevarla a la gran pantalla. Pues si señores, Peter Jackson se encargaría de hacerlo ya que era un fan también de su obra y siempre soñó en algo tan grande, pero lo que el no sabia, es que iba a hacer historia.

Este film épico narra las aventuras y las batallas que se libraron en la Tierra media, donde residía el anillo único, dominado por Sauron de las fuerzas oscuras para aniquilar la vida sobre todo el mundo. La trama comienza con nuestros amigos Hobbits que se encargan junto a Gandalf y una comunidad de aliados para destruir el anillo en las montañas de fuego y lava de la ciudad de Mordor.

Los actores están elegidos a la perfección para encarnar a los personajes fielmente, respecto a la adaptación que no podría ser mejor, escenas como Gandalf en el estrecho puente batiéndose en un combate infernal con el Balrock de fuego pasaran a ser míticas sin duda alguna. Efectos especiales muy reales, una fotografía mas que excelente y por su puesto una banda sonora que pone en los oídos de los espectadores la música mejor ambientada de la mano de Howard Shore y con la colaboración de Enya. Todo esto junto y mucho mas convierten a esta película en una de las grades de este nuevo siglo y buena parte del que le precede.

[juanan_gollum]

Critica:

A diferencia de la primera parte, el director tubo muy claro desde el principio que las dos torres debería ser mucho mas hechizante para competir con la comunidad, por lo que debió sudar la gota gorda repasando una y otra vez los apéndices del libro de Tolkien, del cual en esta segunda parte, encontraría mucha oscuridad en general, caras tristes, y batallas inimaginables que solo se podrían superar con la tercera entrega…

Mucho mas siniestra que su antecesora, las dos torres refleja la continuación de las aventuras de los hobbits y la disolución de la comunidad del anillo, ya que a partir de aquí hasta el final se dividirá en varias partes donde muchos personajes corren su propio camino para acabar con el mal que amenaza la tierra media.

La calidad de sonido que muestra durante la batalla del abismo de helm hace que nos sintamos en plena guerra y se ericen los pelos al escéptico. La oscuridad y la banda sonora dotada de timbales, tambores y notas agudas muestra la cara mas oscura y siniestra de toda la saga, pero al igual que las demás partes sigue habiendo ese ambiente épico e inmejorable de calidad en todos los aspectos. Mejorados efectos especiales y sonido, esta nueva entrega nos muestra solo el preludio de lo que nos espera en el retorno del rey.

Como dicen que “las segundas partes nunca fueron buenas” en esta se equivocaron al tener delante suya una película que sigue los principio de la maravilla de la comunidad del anillo y nos deja ver parte de la ilustrísima “El retorno del rey”, quedándose así en una nueva obra maestra digna de la saga mas famosa de la actualidad.

[morfet]

Morfet malo, te me has adelantado

Bromas aparte, me parece estupenda, ya creía que yo era el único del foro al que le gustaba el cine bélico, haz más críticas Morfet, si es cine bélico mejor

jeje lo siento... no pues el cine belico es uno de mis generos favoritos, y haber si revisiono algunas pelis y me pongo a ello. A lo mejor me quedo un ratito mas en Stalingrado y me pongo con Enemigo a las Puertas.

[Delbruck]

Update...



juanan un poco más largas, que si no se ven algo pobres, sobre todo en el caso de las Dos Torres

[Sycamore]

En esta brillante película del más clásico Cine Negro se juntaron en su día distintos nombres que por entonces no eran muy conocidos y que siguieron distintos caminos. Por un lado el director, Jacques Tourneur, semidesconocido, nunca logró llegar a cotas excesivamente altas en Hollywood y se le consideró un director menor. No se puede decir lo mismo sin embargo de dos de los actores que en la película son protagonista y antagonista: Robert Mitchum y Kirk Douglas. El primero de ellos es el eje sobre el que se mueve la maquinaria enrevesada de Retorno al pasado, una cinta cargada con un flashback y ejecutada mediante la femme fatale de turno, en este caso Jane Greer. Para resumir la película vale perfectamente la frase que acompañó la promoción del film: "un hombre que intenta escapar de su pasado y una mujer que intenta escapar del futuro".

Todo comienza cuando a un hombre que regenta una gasolinera le descubren sus fantasmas del pasado para cerrar viejos temas. Jeff Bailey le cuenta a su novia, y a nosotros de paso, el oscuro pasado que esconde su apacible pero misteriosa vida. Comienza un flasback largo y marcado por la voz en off típica del Cine Negro en la cual Bailey nos explica que era detective y que, en una misión en la que tenía que encontrar a la pareja de un mafioso, termina por enamorarse inadecuadamente. Escapa con la mujer y luego ésta le abandona, tras lo cual Bailey se recluye del mundo del hampa y los problemas en el pueblecito al que ahora ha llegado su antiguo jefe, que de paso trae consigo la sorpresa de que la mujer está de nuevo con él y una nueva misión que cumplir. A partir de aquí la trama discurre hacia delante en una vertiginosa carrera llena de confusión, subtramas, personajes truculentos, engaños, trucos y muertes. La espiral típica del Cine Negro contada a la manera de El Sueño Eterno pero con un puzzle en el que al final, casi de milagro, las cosas tienen sentido.

La cinta de Jacques Tourneur cuenta con la mayoría de elementos del movimiento noir en todo su esplendor. Desde los claroscuros dominando las escenas más determinantes hasta la manera de dibujar sus personajes. Especialmente interesante resulta la femme fatale de Retorno al pasado, que encarna una de los personajes más complejos y lleno de matices del género, interpretado a la perfección por la desconocida Jane Greer, que hasta físicamente se parece a otra de las reinas del género, Lauren Bacall. Casi pareciera que en una cinta que en principio no estaba llamada a ser nada más que otra película de Cine Negro decidieran contratar a alguien que hiciera de Bacall. Jane Greer hace una actuación esplendida de un personaje irracional y que se mueve por impulsos a la que la fatalidad acompaña en todo momento, fatalidad que sufre Robert Mitchum en su papel de Bailey. Kirk Douglas en su casi debut (salvo El extraño amor de Martha Ivers) cumple perfectamente en el papel de villano manipulador y frío que actúa sobre la acción como un semidios que todo lo sabe y lo maneja.

Retorno al pasado fue considerada en su día como una película "B" incluso dentro del propio género. Es el tiempo el que ha ido dando otra visión del clásico de Tourneur, apoyándose en la presencia de las dos futuras estrellas y de un argumento tan confuso como brillantemente hilvanado. Como en toda película de Cine Negro, lo que está asegurado es el entretenimiento y la magia que flota constantemente en el oscuro aire del film.

7,5/10

[juanan_gollum]

Update...



juanan un poco más largas, que si no se ven algo pobres, sobre todo en el caso de las Dos Torres

si un caso, puedes modificarla o mejor dicho cambiarla por esta???;

El señor de los anillos: Las dos torres

Critica:

A diferencia de la primera parte, el director tubo muy claro desde el principio que las dos torres debería ser mucho mas hechizante para competir con la comunidad, por lo que debió sudar la gota gorda repasando una y otra vez los apéndices del libro de Tolkien, del cual en esta segunda parte, encontraría mucha oscuridad en general, caras tristes, y batallas inimaginables que solo se podrían superar con la tercera entrega…

Cuando hablamos de perfección cinematográfica, algunos solo cuentan la interpretación en dicho film o solo dirección. Tanto las dos torres como las otras dos películas de la saga muestran claramente una perfecta armonía entre todos los aspectos físicos que puedan haber en un fotograma visible. Sin tener las mejores actuaciones que se hayan visto, la mezcla del conjunto final de la obra, hacen que cada uno de los aspectos que existen en la película aumente a medida que avanza el film.

Mucho mas siniestra que su antecesora, las dos torres refleja la continuación de las aventuras de los hobbits y la disolución de la comunidad del anillo, ya que a partir de aquí hasta el final se dividirá en varias partes donde muchos personajes corren su propio camino para acabar con el mal que amenaza la tierra media.

La calidad de sonido que muestra durante la batalla del abismo de helm hace que nos sintamos en plena guerra y se ericen los pelos al escéptico. La oscuridad y la banda sonora dotada de timbales, tambores y notas agudas muestra la cara mas oscura y siniestra de toda la saga, pero al igual que las demás partes sigue habiendo ese ambiente épico e inmejorable de calidad en todos los aspectos. El maquillaje es uno de los aspectos junto al vestuario mas importantes de la película, clavan a la perfección cada una de las telas que visten los personajes y el maquillaje hace de los enemigos, mas despreciables de lo que llegan a ser. Mejorados efectos especiales y sonido, esta nueva entrega nos muestra solo el preludio de lo que nos espera en el retorno del rey.

Como dicen que “las segundas partes nunca fueron buenas” en esta se equivocaron al tener delante suya una película que sigue los principio de la maravilla de la comunidad del anillo y nos deja ver parte de la ilustrísima “El retorno del rey”, quedándose así en una nueva obra maestra digna de la saga mas famosa de la actualidad.


AL MENOS ESTA mas compuesta, no queda tan pequeña... como veas...

[morfet]

Bueno mi segunda...

TORO SALVAJE

La fama es dura. Todos hemos escuchado esta frase con incredulidad y pensando que es mentira, que no hay nada mas bonito que la fama, sin embargo hundirse por el peso de ésta es una sensación de frustración no deseada por nadie, y Robert De Niro nos lo muestra magistralmente en uno de sus mejores papeles, sino el mejor.

De todos es sabido que el antiguo trío formado por Martin Scorsese, Joe Pesci y Robert De Niro, fue siempre sinónimo de película exquisita donde las halla: Casino, Uno de los nuestros, y la propia Toro Salvaje son buenos ejemplos. Este trío inunda toda película que toca con ese aire característico a mafia, seriedad y elegancia muy de capa caída últimamente pero que grandes éxitos deparó en el pasado.

Toro salvaje nos muestra de una manera brutal, clara y concisa el rápido ascenso y descenso de un boxeador, Jake La Motta, que como todos los jóvenes ansia poder conseguir una vida digna y sin preocupaciones.

El hecho de que la película esté en blanco y negro, no resta ni un ápice de dramatismo ni de acción al film, al contrario, la forma sublime con la que está filmada, resalta la dureza de las acciones, sobre todo los combates, y consigue impresionar al espectador con esos chorros de sangre brotando de las cejas reventadas sin que la ausencia de color impida vivirlo.

El director resalta por encima de todo la lucha interior que vive el protagonista: sus celos de pareja, la desconfianza por toda persona ajena a su familia, sus ilusiones frustradas, y nos lo deja claro incluyendo cantidad de escenas en las que De Niro se encuentra solo, pensando unas veces, o hablando consigo mismo en otras, que hacen que a mitad de la película, sepamos perfectamente como es él y comprendamos por qué toma esas decisiones que nos sorprenderían si las tomase un extraño.

Realmente lo que hace grande a esta película son las actuaciones de sus dos protagonistas masculinos, sin olvidar el dramático papel Cathy Moriarty, novia y mujer de De Niro y que es blanco de la ira y celos de éste constantemente. Merecido está el Oscar como mejor actor a De Niro, bonita fue esa época que se trabajaba sus papeles hasta el agotamiento, como es el caso de éste, ya que aparte de ver el gran deterioro psicológico que sufre Jake al verse de un día para otro sin dinero por invertir mal, en la cárcel por escándalos pederastas y demás, nos deja más constancia de su sufrimiento al observar el brutal cambio físico del boxeador. De Niro engordó 25 kilos para mostrarnos ese deterioro, lo que hace más fácil al espectador darse cuenta de la gravedad que nos quiere transmitir el director.

Resumiendo, Toro Salvaje hubiera pasado como una buena película de los 80 de no contar con el excelente trabajo de sus actores, que la convierten en un film imprescindible para los amantes del buen cine dramático.

9/10

PD. Si hay pelis malas, se pueden poner tambien a parir?

[morneo]

Bueno mi segunda...
PD. Si hay pelis malas, se pueden poner tambien a parir?

Claro, no todas las críticas van a ser buenas

[Sycamore]

El mundo del cine desde sus comienzos, de hecho sobre todo en sus comienzos, se ha nutrido del arte al que robó protagonismo cuando nació: el teatro. Son muchas las películas que adaptan obras teatrales y le dan un toque cinematográfico en un medio que tiene más posibilidades y otro tipo de forma de llegar al público. Cuando Patrick Marber cogió su obra Closer y decidió traspasarla a la gran pantalla probablemente pensó que no era necesario hacer muchos retoques y cuando Mike Nichols tomó el timón a la hora de rodar también debió creer que el aire teatral le venía bien a Closer. Todo es discutible, así como las historias y las relaciones personales que se diseccionan constantemente en Closer, una película de romances que dicen no apta para todos los tipos de público por su fuerza y su vocabulario y que sin embargo no va más allá de ser un film de situaciones que basa todo su poderío en los diálogos y los actores.

Cuatro, en concreto, son los actores sobre los que se basa la película de principio a fin. Empezamos con Jude Law y Natalie Portman, seguimos con Clive Owen y Julia Roberts, hacemos un intercambio por aquí, otro por allí et voilà, ya tenemos la historia final. Sin embargo la lucha continua que provoca encuentros y desencuentros constantemente no es lo más importante de una historia cuyas intenciones son otras, ni más ni menos que universalizar los personajes que pasan a ser clichés de una determinada forma de afrontar las relaciones y que apenas (salvo Jude Law) evolucionan durante el film. El debate que pueda generar después del visionado es sin duda el mayor mérito de una película que por lo demás desafina en determinados aspectos, sobre todo en el de la credibilidad de la acción. Los cuatro personajes y la mayoría de las situaciones son excesivamente forzados hasta el punto en el que el autor quiere llegar, y la verosimilitud de ciertos momentos queda en entredicho, por ejemplo en las primeras escenas en la sesión fotográfica. El diálogo es rico e interesante pero excesivamente manido y poco espontáneo por su origen teatral y su poca naturalidad. En todo momento el espectador puede sentir que lo que se cuenta funcionaría mejor sobre las tablas y con actores en directo.

Dicen que ésta es una película romántica auténtica, con personajes auténticos y sin el ñoño remanso de paz que suele rodear a toda producción venida de Hollywood. Esto es cierto pero la autenticidad de la película viene más de sus tesis principales que de las escenas. Egoísmo y sinceridad son los dos elementos claves sobre los que giran las relaciones, nos vienen a decir, y las causas principales que pueden llevar al traste un amor o una amistad. Los personajes son imágenes de amantes que todos tenemos en la cabeza. Por un lado Jude Law representa al amante entregado a sus impulsos románticos que cree en el amor y se deja llevar, todo bajo un manto de ternura. Julia Roberts es la depresiva que nunca está satisfecha y se cuestiona a sí misma constantemente. Natalie Portman es la contradictoria joven que puede ser tanto dependiente de su amante como libertina bailarina de striptease. Clive Owen es el primitivo amante, casi misógino y de modales y sentimientos bruscos. Los cuatro hacen un trabajo bastante bueno al frente de sus personajes aunque a distintos niveles. Clive Owen es impresionante y tiene una fuerza tremenda, Natalie Portman sorprende con un personaje complicado en ocasiones indefenso y en otras con vitalidad. Ellos superan a un Jude Law que está en su línea y que con su físico tiene el 50% del trabajo bien hecho, y Julia Roberts que aún no ofreciendo una mala imagen tiene que sufrir que cada actor con quien comparte la escena le robe la misma.

Mike Nichols se dedica casi exclusivamente a la dirección de actores y consigue un muy buen trabajo en ese sentido, pero el aire teatral que rodea toda la acción era mejorable. La película hubiera necesitado un mayor dinamismo y riqueza de escenarios así como unos diálogos que en el teatro seguramente funcionen pero que pecan de falta de naturalidad. Al final del film podemos creer en el conjunto general de la película, en las tesis que nos expone sin rodeos ni máscaras, pero durante el desarrollo veremos chirriar el film que va oscilando entre la falta de credibilidad y la fuerza de las situaciones. Una película recomendable por sus actuaciones y su propuesta, pero que probablemente se vista con mejores galas en una noche de teatro.

6,5/10

[Delbruck]

Hecho.

Juanan, ya he editado la crítica de Las dos torres

[juanan_gollum]

asias delbruck

siguiente:


Takashi Shimizu ya puede contar que ha hecho unas de las películas mas terroríficas de este siglo. Después de Ju-on, este remake de su propia película “La maldición” se puede decir que estamos antes un director obsesionado con darnos terror con mayúsculas. Esta no es una película para niños ni mucho menos, es un film con una sobrecogedora puesta en escena y un guión muy adulto. A este director Nipón ya nos tiene acostumbrados para quien ha visto su filmografia, al mismo tipo de escenas, por lo que no se le puede considerar uno de los directores con mas ideas del momento.

La película se tiñe durante sus 96 minutos de duración de un color muy negro y oscuro. Una serie de personajes que viven o se encuentran en ciertas circunstancias alrededor de la casa donde una familia fue asesinada brutalmente y donde quedo una aterradora maldición que no cesará de crear victimas ajenas a su causa.

Muchos personajes si, este remake cuenta con una gama de actores en su mayoría americanos como Bill Pullman o la preciosa Sarah Michelle Gellar que se ven muy envueltos en la misteriosa trama que nos cuenta la película, y nos hace pasar unos ratos muy malos de terror. Takashi Shimizu sabe como hacer terror, emblandece el corazón del mas valiente con una sola imagen conectada a unos sonidos perturbadores y terroríficamente siniestros que hace que el espectador se agarre a la silla durantes momentos seriamente frenéticos y situaciones que hacen llevar al limite tus propias sensaciones. Una vez mas el terror oriental muestra su punto mas fuerte al sorprendernos con esta nueva entrega, que aun que no sea mas que un remake tiene nuevos efectos mejorados, maquillaje mejor elaborado, y un reparto bien escogido.

Solo decir que los puntos mas débiles de la película es el guión (muy simple la verdad) y una serie de escenas muertas que dejan al usuario pensar demasiado y que te despega un buen rato del hilo principal del film. Y destacar sin mas preámbulos que la imaginación del director no es su punto fuerte, ya que a muchas que esperen ver algo nuevo en este film, puede que se sientan defraudados.

[juanan_gollum]

Critica:

La magnitud de este film, se refleja sobre todo en las batallas consecutivas que acontecen durante el rodaje. Tony Jaa clasificado desde esta, su primera película como protagonista, el nuevo maestro de las artes marciales para muchos, hace gran valía de su dedicación a este tipo de arte marcial “El Muay thai” con el que se defiende de una manera extraordinaria. En cambio para Prachya Pinkaew (director del film) esta es su primera película como director y se refleja su poca experiencia para llevar mejor el guión y los mandos de la dirección. Prachya Pinkaew, asegura que esta era la película que quería hacer desde hace muchos años. Al fin lo consiguió y fue bien merecedor del premio Orient Express-Casa Asia en Sitges 2003 por su gran esfuerzo.

El guión no es mas que el típico de cualquier película de bruce lee. Sed de venganza, ya sea por muerte de un familiar o amigo. En este caso los hechos se relatan cuando el joven Tim es encomendado para la misión de recuperar la cabeza de buda robada por unos bandidos, importante para la existencia de su pueblo, tras lo cual se ve enfrentado en innumerables aprietos y enemigos de los que tendrá que salir victorioso siempre para poder recuperar lo que anda buscando.

No os equivoquéis, si queréis ver un guión de oscar, no es la película adecuada, esta es sin duda una de esas películas de artes marciales que pasara a la historia, si no es tu genero no vayas, pero por poco que te guste este, te dejara igual de impresionado que a cualquiera que le entusiasme las artes marciales, este film esta cargado en exceso de acción desenfrenada y grandes aventuras y combates que solo puedes explicar con la vista. Prevalece por encima de todo la puesta en escena y el ritmo acelerado que nos hace pasar rápidamente los 105 min. Con la sensación de quedarnos cortos a la hora de ver un poco mas. Negativamente a parte del guión ya mencionado con anterioridad, se nota la producción tailandesa y los pobres materiales que se utilizan, ya sea poca iluminación, mala ambientación, sonido y segundarios , pero que con solo la puesta en escena de Tony Jaa suple todos los errores al concentrarnos únicamente en los movimientos de esta gran nueva estrella del cine Internacional.

¿Estaremos ante la gran estrella oriental del año? O tal vez no le volvamos a ver a nuestro amigo Tony Jaa. La taquilla al parecer se decanta mucho más por la primera opción donde seguramente veremos a este gran luchador dando patadas y codazos en muchas mas películas. Hasta entonces disfrutad con esta maravilla del género marcial que no defraudara en absoluto.

[juanan_gollum]

Critica:


Y que decir de esta maravilla de Vicenzo Natali, pocas películas te hacen sentir tantas cosas a la vez. La primera película como director de Vicenzo nos sorprendía y desde este punto encaja ya el fututo de su carrera cinematográfica como director. Junto con unos actores mas que desconocidos Vicenzo logra acapararse en el mundo de las obras cinematográficas de culto de la actualidad, ahora son pocas las películas de este calibre y ya estamos esperando con impaciencia nuevas ideas de este guionista y director de Canadá nacido en 1969.

6 personas, desconocidas entre si despiertan un día y se encuentran atrapadas en el infierno de Cube, un laberinto interminable con habitaciones dotadas de trampas mortales. Cada personaje es bueno en algo y entre ellos tendrán que idear un plan lógico para poder salir de las entrañas de esta macabra locura de invento del que no saben ni quien lo hizo ni con que propósito...

Miedo, paranoia, sospecha, desesperación es lo que sentirá el espectador al visionar esta película, el festival de Sitges ya dio buena fe de ello al otorgarle tanto a la película como al director sus respectivos premios como tales en 1997.La puesta en escena es claro favorito de esta película, unos ritmos lentos pero sin pausa y con algún que otro acelerón nos conduce hacia algo desconocido, algo insospechado donde encontramos la raíz del film. No se contaba con demasiado presupuesto pero a Vicenzo no le hacia falta, sabia como hacernos sudar sin tener que mover muchas piedras. Claro esta que el complejo guión es lo que mas fama otorga a esta película que se trato con mucha cautela para que así los espectadores no perdieran el hilo de los acontecimientos.

Es una película de culto sin duda que esconde mucho mas que lo que cuenta su propia sinopsis, por que te encierra, te atrapa, y no te soltara hasta los últimos segundos y el ultimo fotograma del film. No os asustéis, no suele causar traumas irreparables, pero agarraos al asiento para ver algo que tardareis mucho en volver a ver.